Krrrch - qui est en train de traîner un métal de forme circulaire sur la scène ? Ou est-ce plutôt le morceau de métal qui pousse cet amas de tissu cellulaire ?

Avec la Cyr Wheel, trois performeuses lancent dans une recherche détaillée sur les relations homme-objet et dessinent ainsi une utopie sensuelle - au-delà des dichotomies sujet-objet, des réifications et des hiérarchies de signification anthropocentriques.

Dans Restraint, la danseuse Julek Kreutzer s'engage pleinement dans une seule qualité de mouvement spécifique : une explosion d'énergie continue dans un espace réduit, qui remet constamment la force à sa place. Entraînée par le rythme de la batterie, elle travaille avec persévérance au maintien de cet état, qui se modifie pourtant imperceptiblement. Dans cette chorégraphie extrêmement physique, la danse et la musique font vibrer l'espace et le public.

Tout commence un vendredi. La mère part danser le flamenco. Elle emmène sa fille avec elle. La fille regarde sa mère, s'étonne, admire, voit une femme forte et indépendante.

Dans sa performance solo auto-fictionnelle, Eva Borrmann part à la recherche de choses et d'événements qui ont marqué sa biographie. Il en résulte une histoire qui oscille entre un retour nostalgique vers le passé et des observations analytiques d'événements familiaux catastrophiques. Dans la danse, elle se met en relation avec des souvenirs nostalgiques, kitsch et émouvants qui se sont également inscrits dans son corps. Dans sa chorégraphie, elle montre comment le corps qui a grandi n'échappe pas à son propre passé, mais tente de s'émanciper et de s'opposer à l'absurde.

La mise en scène de Borrmann et le texte d'Urs Humpenröder travaillent sur le regard en arrière : une cassette écoutée et réécoutée, les paquets de Marlboro rouge à moitié vides, le sachet de McDonald's caché à la hâte - dans le regard nostalgique en arrière, tout peut être chargé de magie, pour ensuite perdre toute signification lors de la première réflexion sur le passé : Tout était pourtant très différent.

Un ami chorégraphe raconte un jour : « Quand j'étais jeune, j'ai connu un danseur qui vous ressemblait comme deux gouttes d'eau, vous devriez organiser une rencontre ». Puis le chorégraphe a disparu dans la nuit noire, comme les messagers du destin dans les livres d'images. Nous avons donc organisé cette rencontre entre Kai Brügge et Frédéric Werlé.

Certes, ils se ressemblent malgré la génération qui les sépare. Mais c'est justement en raison de cette ressemblance physique que leur différence est frappante. Les deux hommes se rencontrent sur scène et dans les vestiges d'une maison commune. Il pourrait s'agir du père et du fils. Il pourrait aussi s'agir du double fantasmé ou malveillant que l'on connaît dans les légendes germaniques.

Kai Brügge et Frédéric Werlé se trouvent à deux moments opposés de leur carrière artistique: l'un possède souplesse et force, l'autre a l'expérience de la collaboration avec les plus grands chorégraphes et sait comment être au mieux dans la lumière.

La pièce joue sur les similitudes et les oppositions entre ces deux corps, ces deux énergies et ces deux manières d'aborder la danse et le mouvement. Les deux partenaires agissent tour à tour comme écho, miroir et répulsion.

Comment puis-je exister face à l'autre, ou comment, pour reprendre la formule de Martin Buber, j'apparais face à l'autre ?

Entre rêve, fantasme et souvenir, INVENTAIRE explore les effets d'une rencontre; l'admiration, la compétition et la jalousie entre deux corps masculins. Comme un répertoire de stratégies pour continuer à exister en tant qu'individu, malgré la présence envahissante d'un double.

Avec pussy lounge, six artistes une musicienne, une poétesse slam et quatre danseur/danseuses, issus de milieux, de générations et de défis différents, explorent les exigences propres et externes de la condition féminine, en constante évolution. Il ne s'agit pas de créer un manifeste de plus, mais de s'en approcher de manière biographique, individuelle et non triée. Qui sommes-nous quand personne ne nous regarde ? Quelles représentations partageons-nous ? Que craignons-nous ? Où est-ce qu'on se prend les pieds ?

La go plastic company tente d'identifier la force positive de la colère, de la traduire en possibilités d'utilisation et de mettre à disposition un espace pour différentes approches. De l'extérieur vers l'intérieur, entre la représentation négative et la vente positive, entre l'emportement et la douloureuse expérience de soi, entre l'énergie débordante et le silence sans retenue ; go plastic invite à la confrontation et à la participation et entreprend avec le public un voyage à travers les territoires de la colère.

Depuis des années, Zina Vaessen écoute presque quotidiennement, entre le brossage des dents et le sommeil, ses sept jeunes toccatas pour clavecin et orgue. Toccare est le fait de frapper, de toucher, de palper un instrument, de manière improvisée et ludique, de manière abrupte et variée. Dans une confrontation délibérément « sans culture » avec les toccatas de Jean-Sébastien Bach, la chorégraphe et danseuse négocie dans son solo de danse sa propre pulsion intérieure de mouvement, de jeu et de plaisir d'une manière totalement nouvelle.

La pièce de danse explore de manière poétique l'incarnation des mécanismes de défense et de survie chez les humains, les plantes et les animaux dans des conditions de vie en constante évolution. La pièce s'inspire des cactus qui poussent dans la nature. Le mécanisme de défense le plus remarquable d'un cactus est sa capacité à faire pousser des épines à la place des feuilles. Il peut s'adapter à des conditions environnementales extrêmes et difficiles, ce qui le rapproche de l'homme. Une partie du public est invitée à participer à l'installation sonore et à influencer ce qui se passe sur scène. Il en résulte un écosystème fictif - une île - au sein d'un paysage clair et lumineux, dans lequel les relations se redéfinissent.

Sebastian und ich ! Workshop sur le corps musical avec Zina Vaessen et Julia Klockow

L'atelier permet aux personnes intéressées de se plonger dans le langage du mouvement de la pièce.

« red moon » est une exploration artistique du cycle féminin en résonance avec les lois cycliques de la vie. Ce spectacle de danse raconte une histoire sur les femmes, leur lien avec l'intuition et la nature. Une chorégraphie mystico-animalière sur l'innocence, le désir, la lutte et le dévouement dans le cycle de la création et de la destruction, pleine de vulnérabilité et de force. Puissante et sauvage, tout aussi délicate et vulnérable - toujours en mutation.

Le yoga est omniprésent dans le monde. « How to do a downward facing dog ? » est un projet qui, à partir d'une asana (position de yoga), aborde de manière biographique, physique et théorique le phénomène du yoga et sa position dans un enchevêtrement complexe de contextes sociopolitiques. La chorégraphe et danseuse suisse Johanna Heusser, en tant que Suissesse blanche, part à la recherche de son rôle dans l'enchevêtrement du yoga en tant que phénomène, dans lequel convergent des contextes sociopolitiques allant de l'optimisation de soi néolibérale à l'appropriation culturelle. Dans une performance de danse, son propre corps devient le matériau de la négociation. Elle prend à plusieurs reprises la pose du chien qui regarde vers le bas et place ce processus dans des contextes toujours nouveaux.

Si je pouvais faire un vœu, j'aimerais être un peu heureux, si j'étais trop heureux, j'aurais la nostalgie de la tristesse ». F. Holländer/ M. Dietrich

Quelle est la clé du bonheur ? Se pourrait-il que ce qui se trouve là, derrière la porte fermée, ne soit pas si spécial ? Juste la vie bien connue en duo entre les bons et les moins bons moments, entre l'harmonie et l'irritation, la stagnation et le mouvement, entre la réussite et l'échec, l'(auto)amour et le rejet, la tension et la détente, entre la joie et la mélancolie ...

Six danseurs/danseuses et deux musiciens/musiciennes font des recherches sur le bonheur et le contraire du bonheur dans une société où nous ne semblons manquer de rien et créent, sous la direction artistique de Katja Gluding, une performance de danse touchante.

Est-ce que cela te rend heureux de vivre ce moment ? Alors tu es prêt pour la beauté de l'instant. Dans la production Südpol de I-Fen Lin, quatre interprètes cherchent les brefs moments de bonheur aléatoires qu'il ne faut pas manquer. La mise en scène donne de l'espace aux beautés de la vie et provoque des situations imprévisibles dans lesquelles semble se trouver l'origine de ces instants de bonheur. La beauté du moment a lieu MAINTENANT.

La danseuse et chorégraphe I-Fen Lin, qui connaît un succès international, vit à Lucerne et évolue dans ses travaux entre concept, mise en scène, chorégraphie et danse. Dans ses pièces interdisciplinaires, elle ne chorégraphie pas seulement le mouvement, mais aussi des situations dans l'espace. Pour 'findet Jetzt statt', elle a collaboré avec des acteurs/ actrices.